IV Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales. ANIAV 2019. Imagen [N] Visible

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https://riunet7pro.upv.es/handle/10251/126734

La proliferación de la imagen en la cultura actual ha dado la oportunidad a las artes visuales de explorar, experimentar cuando no cuestionar sobre sus posibilidades expresivas en este contexto de sobreexposición.

En la presente edición del congreso ANIAV proponemos un punto de encuentro para creadores e investigadores en arte interesados y que abordan estas problemáticas en sus trabajos desde una posición abierta a las diferentes posibilidades y puntos de vista. Hemos tomado prestada la expresión matemática [n] que define el conjunto que contiene los números naturales, sus opuestos y el cero como una imagen metafórica que invita al conjunto de propuestas que desde el arte reflexionan sobre el concepto de imagen y de visibilidad.

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4xiDraw Máquina de visualización de datos: la imagen creada desde la información como práctica artística
(Editorial Universitat Politècnica de València, 2019-09-10) Tortosa Cuesta, Rubén; Sánchez López, Miguel; Ávila González, Mireia; Azevedo Monteiro, Bruno Miguel; Departamento de Dibujo; Facultad de Bellas Artes
[ES] Planteamos la construcción de la imagen a partir de los Datos como materia prima, en la que intervienen la mezcla e hibridación de lenguajes. El paso de lo analógico a lo digital y vuelta a lo analógico, es decir, de un código, de un signo a otro, nos abre la posibilidad de múltiples lecturas de lo traducido, para dar sentido a la imagen desde dispositivos de memoria externa. Éste es un hecho caracterizado por las transposiciones, formatos, materiales, escalas, traslaciones y transcodificaciones. En definitiva, nomadismo entre los procesos. La imagen generada mediante dispositivos digitales, ahora es tiempo simultáneo. No somos espectadores sino parte del proceso, en el que la realidad se transforma en representación. En este sentido, habríamos de añadir la hibridación temporal a las teorías contemporáneas de la hibridación. Para la realización de la obra artística The Bird: the journal of the image, resultado de esta investigación, tomamos los Datos como punto de partida en lo que será el primer acto de creación. En un segundo acto, estos datos junto a la máquina (hardware y software) como elementos físico y virtual, harán posible visualizarlos en dibujo (imagen). La máquina 4xiDraw ha sido diseñada ex profeso para hacer posible la traducción de la información. En este caso la obtenemos de la señal que transmite un geo-localizador colocado a un cernícalo que pertenece a un programa de protección de especies en extinción, cuyos desplazamientos se traducen en un trazado de líneas sobre una hoja de papel de 70 x 100 cm, a modo de diario. La obra se denomina The Bird: the journal of the image. Las piezas, para ensamblar 4xiDraw, han sido diseñadas en software CAD e impresas mediante impresora 3D en PLA. Para su construcción se han utilizado: dos motores paso a paso Nema 17, 2 varillas de acero de 1000x8 mm, 2 varillas roscadas de acero de 1000x10 mm, servo, correa dentada, 2 poleas GT2, RaspberryPi, electrónica, fuentes de alimentación, pantalla de 3,5”, tinta pigmentada y papel.
Activación por el diseño: colaboración y co-creación
(Editorial Universitat Politècnica de València, 2019-09-10) Barbosa Ramos, Regina; Prado, Gilberto
[ES] En el presente artículo, deseamos abordar procesos y procedimientos en Diseño que solicitan del campo activar discursos y proporcionar cambios de comportamiento que afectan la propia práctica del Diseño y la percepción sobre el área. A partir de la adopción y activación de discursos disruptivos, vemos el distanciamiento de la idea de diseño sólo como productor de bienes de consumo, y entendemos que los objetos -y las etapas para producirlos- pueden ser "adoptados" a fin de activar nuevos sentidos que los reubican en el escenario y los hacen promotores de activismo.
Animación, conciencia, mediación. Laboratorio animado para una cultura inclusiva
(Editorial Universitat Politècnica de València, 2019-09-10) Garcia Rams, María Susana; Sebastian, Samuel; Departamento de Dibujo; Facultad de Bellas Artes; Grupo Animación de la Universitat Politècnica de València
[ES] Animación, conciencia, mediación es un proyecto de innovación premiado en el Concurso de Ideas del Laboratorio de Cultura Inclusiva de Las Naves promovido por el Ayuntamiento de Valencia. El objetivo fundamental de este proyecto es generar en las Naves un espacio abierto, inclusivo, accesible y participativo, sensible a la realidad individual y particular de la ciudadanía, favorecedor del intercambio, acogedor de la diversidad y manteniendo siempre una perspectiva de género. Esta experiencia se reproducirá en otras ciudades y centros culturales. La animación tradicionalmente ha sido una forma de creación elitista y masculinizada. Elitista por la cantidad de medios y conocimientos técnicos que requiere y masculinizada porque tanto los creadores como las películas han tenido generalmente un protagonismo netamente masculino y heteropatriarcal. Sin embargo, nuestro proyecto da la vuelta a esta perspectiva ya que muestra cómo la animación puede ser realizada y protagonizada por diferentes tipos de personas, sin que sean necesarios unos grandes medios, por ejemplo mediante la reutilización de materiales, y además puede servir como una herramienta de empoderamiento, educación y concienciación. A partir del cine de animación se trata de dar voz a quienes no la tienen, mostrar a los colectivos invisibilizados, denunciar las injusticias. Igualmente, las técnicas y procesos de la animación, como producción cultural rica en matices, que aúnan lo sencillo y lo complejo, lo analógico y lo tecnológico, fomentan la creación sin condicionantes para que participen en este proyecto personas con funcionalidad diversa, adolescentes, refugiadas o migradas, mujeres, colectivos LGTBIQ+ y otras minorías sociales como personas mayores o en riesgo de exclusión, de una forma colaborativa y a través de las diferentes asociaciones comprometidas con él. El proyecto actúa como un Laboratorio animado para una cultura inclusiva, facilita el aprendizaje y establece vínculos entre las personas y los diferentes colectivos a través de una creación grupal.
Anomalía en el libro de Kells. Dinámicas del acontecimiento
(Editorial Universitat Politècnica de València, 2019-09-10) Caro, María
[ES] Al igual que ocurre en un libro, una secuencia de imágenes impulsa determinados procesos de lectura propios de su estructura vermicular y de la relación causal entre los signos visuales que cohabitan o se suceden en esa secuencia. La obra fotográfica “Anomalía en el libro de Kells” (María Caro, 2018) se presenta como una serie formada por cuatro “páginas” sobredimensionadas en las que se incluyen ciertas imágenes que ponen en valor su propia dimensión y el lugar que ocupan. Como parte de la obra aparece también el pie de foto, el cual se desprende de su sentido descriptivo para convertirse en un signo visual más. Esta investigación se centra en lo que ocurre cuando la imagen fotográfica se desplaza a figura citada en un texto, pero su relación con este texto no queda limitada a una mera ilustración enciclopédica, sino que subvierte su función y se desliza por las lindes de la referencia. El texto converitdo en pie no nomina, no traduce ni enlaza de forma arbitraria a la figura que cita. ¿Cómo afecta a la lectura -ese proceso de desencriptado que se realiza de manera instantánea cuando el lector/espectador se enfrenta a la organización convencional de una página- que las conexiones entre significado y significante se materialicen no en una sino en todo un campo de posibilidades? El análisis realizado de las obras que conjugan formalmente texto e imagen se fija en el acontecimiento narrativo y su devenir en el suceso plástico.
ANTIMATTER, un proyecto de audiovisualización en tiempo real de PDP11
(Editorial Universitat Politècnica de València, 2019-09-10) García Miragall, Carlos Manuel; Martínez de Pisón Ramón, M José; Sanmartín Piquer, Francisco Javier; Departamento de Sistemas Informáticos y Computación; Departamento de Escultura; Departamento de Pintura; Facultad de Bellas Artes; Grupo de Laboratorio de Luz
[ES] El colectivo PDP11 es un grupo de artistas que provienen del punk, del rock, de la bossa nova, del cine experimental, del arte interactivo y del videoarte. En los inicios el colectivo centró su trabajo en las relaciones entre el sonido y la imagen. PDP11 construye su discurso visual al margen de lo tangible elevando el sonido al irracional firmamento de las matemáticas y desde allí, retoma impoluto a una nueva identidad, la dimensión de los colores. El sonido dejado al vaivén del momento toma su forma en ruidos, distorsiones, guitarras, sintetizadores, bajos, voces y silencios. Los proyectos se desarrollan de forma colectiva a partir de una idea modulada por las aportaciones personales durante su desarrollo. El proyecto Antimatter que se presenta está inspirado en el concepto físico de antimateria. El universo de las partículas y antipartículas, y sobre todo la transformación que se produce cuando colisionan fundamenta la estructura de este proyecto.
Antítesis. Una investigación artística sobre materialización de la luz a través de procesos de negación de la imagen
(Editorial Universitat Politècnica de València, 2019-09-10) Astorkia Matamala, Jugatx
[ES] El proyecto Antítesis propone una investigación basada en procesos y metodologías de arte. A través de lo teórico-práctico, trata de hacer una reflexión sobre el propio medio y la materialización de la luz desde lo post-fotográfico. En el propio acto, la antítesis de mostrar lo oculto y ocultar lo visible son ejes principales y aluden a procesos experimentales vinculados a material fotosensible, entre otros. En este ámbito, donde se nos muestra y a la vez se nos oculta, se activan líneas invisibles de pensamiento con respecto a lo que no vemos pero está latente. En esta tendencia a lo invisible, se trabaja mediante lo que podríamos denominar procedimiento siniestro, como lugar de emergencia de lo Real, siendo la manera más eficaz de llevarnos lo más cerca posible de la esencia de la imagen y conseguir mostrar lo antivisual. Esta investigación de “resistencia” se forma como una oposición a la propia totalidad de lo visible, especialmente a la hegemonía del ocularcentrismo expandido. Desde el hacer, tiene en cuenta aspectos clave como la percepción, la temporalidad, el medio y la luz. Su materialización forma parte del proceso de reflexión, volviéndose apariencia de las cosas, alterando la misma idea de realidad y de realismo, porque hay más de lo que se ve y en lo que se ve no está todo lo que hay.
Apropiacionismo en el arte, la legitimidad de la imagen sustraída
(Editorial Universitat Politècnica de València, 2019-09-10) Esgueva López, María Victoria; Nicolau López, Nuria; Departamento de Dibujo; Facultad de Bellas Artes; Centro de Investigación Arte y Entorno
[ES] Este proyecto plantea el apropiacionismo en el arte como una estrategia usada a lo largo de toda la Historia del Arte, y en la actualidad podría ser un recurso que actúa casi como respuesta a la saturación de imágenes que inundan las sociedades globales. En primer lugar, reflexionamos ¿Qué sentido tiene recurrir a algo ya hecho para crear?, ¿Es menos original basarse en otras obras? Con ello nos planteamos si hay alguna creación totalmente original en la que el autor no haya partido de otros referentes. Por otra parte, el apropiacionismo lleva implícita una crítica al concepto tradicional de autoría, si bien es cierto que superadas estas incertidumbres iniciales, tomamos esta práctica como un recurso completamente validado. De manera que analizamos como el hecho de adueñarse de imágenes visibles y reconocibles es un acicate óptimo para desarrollar un nuevo concepto. El apropiacionismo abordado por tanto como una vía de comunicación y de enriquecimiento en los discursos artísticos, que permite reflexionar sobre el concepto de imagen. Los artistas en un proceso que se basa en; percibir, identificar, interpretar y significar, se adueñan de imágenes pertenecientes al imaginario colectivo y consiguen generar nuevas lecturas. En ese sentido logran extrapolar el significado original a la actualidad, dotándolo de otra narrativa, que trata de dar respuestas a problemáticas actuales. Hacemos una revisión del apropiacionismo a lo largo de la Historia del Arte. Y además se analiza la obra de artistas como Benjamín Domínguez, Eisen Bernard Bernardo y el Equipo Crónica que ven en él una oportunidad para ampliar su propia técnica: una herramienta de trabajo y de estudio que explore las posibilidades de una misma idea/imagen, de manera que la obra conocida sirva de medio para el desarrollo creativo.
El archivo de imágenes como metodología de investigación interdisciplinar
(Editorial Universitat Politècnica de València, 2019-09-10) Fuentes Cid, Sara
[ES] Las últimas décadas del siglo XX fueron escenario de innúmeras transformaciones a nivel epistémico (Khun, Feyerabend, Latour). En este contexto surgen un conjunto de investigaciones que cuestionan la posibilidad y naturaleza de la relación entre Arte y Ciencia. Desde aquellos que las colocan en oposición, como aquellos que defienden el desarrollo de una "tercera cultura" (Brockman) capaz de integrar el campo tecno-científico con el campo de las Humanidades y las Artes. Esto ha generado una serie de espacios interdisciplinares donde investigadores de diferentes procedencias colaboran entre sí, como el Science-Art-Philosophy Lab del CFCUL, donde se enmarca esta investigación. Con el objetivo de identificar y cuestionar tanto las articulaciones y complementariedades como los distanciamientos entre Arte y Ciencia, nos centraremos en una de las zonas fundamentales de intersección entre ambas, cuyo estudio ha captado gran atención en los años recientes: se trata del estudio de la imagen como dispositivo de producción de conocimiento en las distintas áreas disciplinares. La presente propuesta pretende proporcionar una clave metodológica para la investigación de esta relación entre campos de saber en la actualidad, centrándonos en el estudio de las posibilidades cognitivas de la imagen y en su papel en la construcción del pensamiento. Entraremos en el tema a través de un proyecto en curso en la Universidad de Lisboa, el Center for Image in Science and Art. CISA_UL es un archivo abierto que cuenta con cientos de imágenes de artistas y científicos internacionales, constituido con el propósito de tornar posible la producción de taxonomías que ayuden a comparar imágenes científicas y artísticas, exponiendo sus afinidades y diferencias. Pero su objetivo principal, es testar una metodología artística de investigación (como es la confección de archivos de imágenes con fines alternativos al meramente documental) para profundizar en las relaciones complejas que pueden darse entre Arte y Ciencia.
Archivo lesbofeminista
(Editorial Universitat Politècnica de València, 2019-09-10) Franco Peña, María Yolanda
[ES] Esta comunicación expone el proyecto en construcción del archivo lésbico-feminista de la Comunidad Valenciana. Es el origen de un archivo generado a partir de la recopilación y catalogación de materiales documentales (publicaciones periódicas, libros, fotografías, vídeos, materiales gráficos, etc.) que forman parte de los diferentes colectivos LGTB y feministas junto a archivos personales. Hasta el momento no se encuentran recopilados, pero son necesarios para la construcción de una memoria colectiva de un contexto concreto. Desde hace unas décadas se ha constatado un giro en el ámbito artístico hacia la idea del archivo como práctica artística. Entender el archivo como práctica artística permite vencer al olvido mediante una narración no lineal, con múltiples lecturas. A partir de la revisión teórica y práctica de la cuestión arte-archivo se plantea un archivo vivo, flexible y en continua construcción. Visibilizar y generar un archivo cuyo sujeto político central sean las lesbianas implica crear su genealogía. Esta acción es interesante porque hace que aparezca en un marco coherente la lucha de las mujeres y las luchas de los colectivos LGTBI, dado que todo movimiento político necesita una génesis que permita un discurso y una posición en el campo de los conocimientos situados. Visibilizar el cuerpo de prácticas, de saberes y de luchas es fundamental para revelar algo que ha quedado oculto, no solo en los saberes académicos sino también en lo social y en lo simbólico. Además, el proyecto de archivo propone generar una red con otros proyectos de características y alcances similares tanto españoles como internacionales. Estar en red implica existir.
El arte como visibilizador de complejidades sociales / la complejidad social como invisibilizadora del arte
(Editorial Universitat Politècnica de València, 2019-09-10) Parramon Arimany, Ramon
[ES] En el contexto actual algunas de las prácticas artísticas se caracterizan por una tendencia a la desmaterialización y a la concepción de la obra-como-proceso, actitud que contribuye a mitigar su presencia y notoriedad en un contexto marcado por la hipervisibilidad y la inmediatez. Ante la necesidad de hacer inteligible la complejidad social, en un contexto de sobrexposición, el arte puede ser una forma de acción que contribuya a visibilizar la realidad e incidir en ella. Pero si el arte no consigue regenerar y pluralizar sus mecanismos de producción, puede quedar excluido de esta labor socializadora. La producción artística, entendida desde una perspectiva sistémica, puede afrontar la gestión de la complejidad como esencia, a la vez que conectarse a otros ámbitos, disciplinas o formas de ver-entender el mundo, que comparten el objetivo de descifrar e investigar para trazar futuros posibles. Desde lo productivo, el arte se inscribe en un ecosistema propio compuesto por ámbitos ocasionalmente interconectados. Uno de ellos es el mercado del arte, enraizado en una economía pre-fordista, que consiste en la venta de productos “exclusivos” a clientes “exclusivos”. Otro es el modelo promovido por la acción de los poderes públicos, con el objetivo de impulsar la democratización, difusión y creación cultural. Un planteamiento de tradición malrauxista, en el que las instituciones públicas dotan a la cultura un papel vinculante y una partida económica en la tarea de contribuir a modernizar socialmente el país. Un tercer modelo de carácter híbrido y experimental, estaría caracterizado por el ensamblaje de estrategias productivas diversas, desde la autogestión, a la incursión en economías colaborativas, la creación conectada a espacios intersticiales entre el espacio artístico y el social, o la mezcla de todo ello con financiación pública. Desde esta tercera vía se exploran elementos relacionados con su visibilidad e invisibilidad.
El arte invisible. En los límites de la percepción
(Editorial Universitat Politècnica de València, 2019-09-10) Montalvo Gallego, Blanca
[ES] En esta ponencia propongo analizar un tipo de obra que se crea a partir del juego con los límites de la percepción. Piezas que podemos ubicar en el espectro entre lo visible y lo invisible. Así, el estudio lo he dividido en los tres campos más habituales en los que trabajan estas prácticas artísticas: Desde los juegos con la luz que nos hacen visibles o invisibles parte o la totalidad de la obra, como en Proyectante de sombra (1993) de Laboratorio de Luz, o Glimpse (2007) de Jim Campbell; a aquellas fundamentadas en el tiempo de visión que fuerzan las capacidades de humanos o máquinas, como las series de fotografias de Hiroshi Sugimoto, Theatres (desde 1978), o el movimiento que genera la forma en Waves (desde 2006) la escultura de Daniel Palacios. Y para finalizar, otro tipo de obras que con humor, cinismo o beneficio publicitario, juegan con la invisibilidad cono una opción: así, de la propuesta conceptual de Tom Friedman, 1000 Hours of Staring (1992-1997) a la poesía del Metro cúbico infinito (1966) de Michelangelo Pistoletto, el cínico humor de la habitación vacía de la galería de Paris que Ives Klein quería vender, al stand vacío, y fotografiado, de la última edición de ARCO, tras la retirada de la obra de Santiago, Sierra, una ceguera que elevó el precio a 80.000 € al tiempo que se convertía en la obra más comentada, aunque no vista, casi como el traje nuevo del emperador. En suma, una ponencia en la que exploro los límites de lo visible en el arte contemporáneo de uno a otro espectro de la percepción, al tiempo que analizo una propuesta personal que se centra en la visión periférica.
Arte y educación en diversidad sexual. La percepción de la homosexualidad en una clase de 6º curso a través de la técnica del dibujo
(Editorial Universitat Politècnica de València, 2019-09-10) Monleón Oliva, Vicente
[ES] La sexualidad es uno de los temas tabú de los que adolece la educación en el territorio occidental. Se manifiesta una latente reticencia hacia su tratamiento en las aulas, más aún cuando se apuesta por abordarla desde la diversidad. Pero precisamente para avanzar es necesario apostar por esta pluralidad, romper con la norma establecida y desmontar el patriarcado que construye una única identidad entre el colectivo infantil que aparece diferenciado según su sexo. Apostando por superar los convencionalismos de la temática cuando esta se relaciona con el uso del preservativo o la menstruación. No obstante, con la iniciativa propuesta “Arte y educación en diversidad sexual” se pretende posicionar al grupo de estudiantes de sexto curso de una escuela pública de inclusión de Valencia desde un posicionamiento que permita entender la diversidad y respetarla, incluso normativizarla. Este conjunto tiene que contestar a una cuestión a través de la expresión plástica: “Dibuja a dos personas del mismo sexo mostrando su amor en público, ¿cómo te las imaginas?”. El ejercicio permite conocer cuáles son los conocimientos de un grupo mixto formado por 18 estudiantes. Averiguando como es la percepción de la clase hacia quienes forman parte del colectivo LGBT. Iniciativas como la presentada son necesarias para que el conjunto de discentes de las escuelas sea educado de una manera global, integral y conducido hacia valores de tolerancia y respeto. La educación debe de apostar por una diversidad sexual que prevenga los comportamientos homofóbicos que se desarrollan a medida que quien estudia crece, como consecuencia de no haber recibido una educación que contemple posibilidades más allá de la heteronormatividad.
Arte y Simulacro: La Fotonovela como recurso para entender las dinámicas sociales contemporáneas en torno a la postfotografía
(Editorial Universitat Politècnica de València, 2019-09-10) González Agudo, Iluminada
[ES] Los conceptos de realidad y ficción en torno al tratamiento de la identidad, en la dicotomía de lo público y lo privado, ofrecen una línea de estudio para entender y reinterpretar cualquier imagen del archivo desde las artes, asumiendo y entendiendo la necesidad de un concepto reciente: la “postfotografía”. Pero este concepto, lejos de las disociaciones de las investigaciones en las artes visuales y las de la cultura visual ofrece algunas cuestiones ambiguas cuando tratamos la imagen generada en las redes. Los medios de comunicación social, la proliferación y dominio de las redes sociales y la universalización de los dispositivos móviles de alta capacidad en la gestión de comunicación y utilización y transformación de las imágenes nos obligan a tomar en consideración el nuevo escenario y a plantear un debate sobre la realidad en la que vivimos, y la posible tergiversación de los modelos de vida, el autoconocimiento y el tratamiento de la identidad. Este estudio plantea y desarrolla una práctica educativa, basada en una experiencia de autoconocimiento a partir de las imágenes de archivo del entorno familiar. La fotonovela permite adoptar una posición crítica, creativa y constructiva para entender los nuevos modelos de representatividad social a través de las redes y de los media. Hoy nos remitimos constantemente a la necesidad de 'ser un otro mejorado', transmutado por las modas, y dominado por lo que se ha venido en denominar 'la cultura influencer’ para construir formas de representatividad que reformulan nuevas formas de ser en lo social. Si lo real puede ser considerado una ilusión y su recreación una constatación del individuo en el mundo, debemos de empezar a considerar este hecho y sus procesos, y plantear un tratamiento en los contextos educativos y estrategias críticas basadas en la imagen mediática que permitan su comprensión y desactivación.
Aumentando la empatía en entornos virtuales artísticos: la presencia en la imagen esférica desde el avatar invisible
(Editorial Universitat Politècnica de València, 2019-09-10) Gárgoles, María; Agencia Estatal de Investigación
[ES] La imagen actual es tridimensional e interactiva, ahora el espectador se convierte en usuario y se nos sitúa en el centro de una esfera. De este modo un nuevo mundo se hace visible a través de la realidad virtual. En el paradigma de la burbuja, nuestra relación con el entorno ha cambiado, estas imágenes envolventes nos permiten elegir el punto de vista haciendo única la experiencia. Es importante modificar nuestra relación con el entorno tanto en la propia experiencia como posteriormente. Desde la cognición corporal, nuestras relaciones con el entorno virtual nos permiten sentir con mayor intensidad lo que percibimos de el. Este trabajo investiga la relación del usuario en estos entornos virtuales y no virtuales, así como la acción e interacción en entornos inmersivos artísticos. Para ello, utilizo el entorno creado por Marina Abramovic, dividiendo en tres fases diferenciadas la experiencia y la interacción con el avatar de Abramovic desde la ausencia de nuestro avatar en el mundo virtual, es decir, desde la invisibilidad corporal y ausencia de representación visual en el mundo inmersivo. Utilizando esas tres fases y desde la ausencia de nuestro avatar, es posible aumentar la presencia, la conciencia y la empatía por medio de otros mecanismos sensoriales de la experiencia, los elementos de la imagen y otras virtualidades.
Bailando con árbol: Visibilizando las protoacciones naturales de la vanguardia artística española
(Editorial Universitat Politècnica de València, 2019-09-10) Abarca Martínez, Inmaculada
[ES] La investigación que aquí se presenta permite visibilizar la conexión creativa que existía entre los artistas, músicos, bailarines y escritores de la vanguardia española con ciertos elementos de la naturaleza vegetal, develando el origen de los vínculos de estas relaciones, a través de las acciones inspiradoras que llevaban a cabo de forma muy innovadora. El texto tiene entre sus objetivos el de poner de manifiesto la interacción de estos creadores, con ciertos elementos procedentes del mundo vegetal, como recurso inspirador dentro de los procesos artísticos. Su utilización, en el contexto de las vanguardias artísticas, va más allá de la realidad misma de la naturaleza vegetal, así como de las propias disciplinas artísticas empleadas, explorando y trasgrediendo en España - durante las primeras décadas del siglo XX- los límites habituales del arte. Este tipo de propuestas de acción, en algunas ocasiones únicamente poéticas y en otras ocasiones políticas, pueden considerarse antecedentes del performance, por lo que las hacemos visibles partiendo del concepto de protoperformance. Tradicionalmente la Naturaleza ha sido la gran maestra de las formas, no sólo en lo que se refiere a la vertiente matérico-orgánica de las creaciones artísticas, sino también en el mundo de la simbología y de la ficción. Su empleo en el ámbito artístico remite a conceptos vitales como crecimiento, multiplicación, dispersión, semejanza, muchos de los cuales, fueron rescatados por los artistas de la época en la que se centra este texto, para despertar una nueva conciencia del ser humano frente al mundo.
La bruja que existe pero no se ve: la invisibilidad cinematográfica como estrategia generadora de terror, desde Rebeca hasta La bruja de Blair
(Editorial Universitat Politècnica de València, 2019-09-10) López-Villar, Rebeca
[ES] En un contexto audiovisual caracterizado por el exceso y el abuso figurativo, parece que funcionan mejor aquellas películas terroríficas en las que el elemento monstruoso no se muestra físicamente ante los ojos del espectador. La finalidad de este texto es la de constatar que, frente a las representaciones cinematográficas normativas, la no-presentación de la figura de la bruja favorece en la contemporaneidad audiovisual a los objetivos de las películas de terror. Buscando los posibles motivos que propician la creciente constancia del motivo brujesco femenino –invisible o no– en las producciones de este género, se comprobará si la bruja, asimilada como agente de la otredad, actúa como prototipo fílmico ideal de la mujer potencialmente temible; es decir, si para un sistema esencialmente patriarcal, la bruja deviene en el estereotipo aterrador más ajustado a sus fines. Para ello, se tomará como punto de partida el paradigma de la invisibilidad asociada a lo brujeril, Rebeca de Winter, para reflexionar sobre determinados filmes recientes, como La bruja de Blair (Adam Wingard, 2016). Se realizará un análisis basado en la confrontación, estableciendo analogías entre estas películas sin brujas palpables y aquellas otras en las que las hechiceras se vuelven exagerados y cargadas de clichés: Hansel y Gretel: Cazadores de brujas (Tommy Wirkola, 2013), Expediente Warren: The Conjuring (James Wan, 2013), La noche de la bruja (Alex Merkin, 2017), etc. Se concluirá observando si en los casos de estudio analizados surgen diferencias notables deducidas del modo en que se presenta el monstruo; esto es, si se generan significados distintos en función del grado de visibilidad del elemento brujesco, y si los efectos producidos en el espectador varían.
Los caminos del deseo como fenómeno ilustrativo de la relación entre el caminar y la práctica artística contemporánea
(Editorial Universitat Politècnica de València, 2019-09-10) Teira Muñiz, Ismael; Departamento de Pintura; Facultad de Bellas Artes; Centro de Investigación Arte y Entorno
[ES] Los caminos del deseo son senderos producidos como resultado de la acción del caminar erosionando una superficie de hierba o césped. Proponen el camino más corto o sencillo entre un origen y un destino, y en ocasiones son entendidos como atajos. Representan la interpretación física de algo tan abstracto como el deseo, y son también improntas evidentes de un gesto ciudadano, al acortar, rechazar e, incluso, mejorar el camino marcado. Los caminos del deseo también son el resultado de un acto poético, performativo, creativo y subversivo, esquivando la senda marcada. A partir del análisis de autores como Gómez, Bachelard o De Certeau tratamos de esclarecer el término y sus posibilidades, ilustrándolo a través de varios ejemplos de artistas a nivel internacional que se fijaron en el fenómeno, dadas sus particulares características, su origen y su interés como artefacto social, funcional y estético. De este modo, analizamos obras como The Disappearing City, 2009, de James Griffioen; Olifantenpad , 2011, de Jan-Dirk van der Burg; The Crooked Path, 1946, de Jeff Wall; Brasilia Nómada, 2014, de Pau Faus; Shortcuts, 2004, de Mircea Cantor; Desire Paths, 2018, de Kapwani Kiwanga y Desire Lines, 2015, de Tatiana Trouvé, además de los trabajos propios llevados a cabo en Santiago de Compostela, 2011, y Valencia, 2012-2017. Además del valor político y sociocultural presente en muchas de las obras seleccionadas existe también un valor estético y artístico, por lo que los caminos del deseo pueden ser interpretados como una imagen altamente ilustrativa del nexo entre caminar y práctica artística contemporánea.
Cartografías colectivas como espacios de reflexión visual: territorios, experiencias y contextos
(Editorial Universitat Politècnica de València, 2019-09-10) Montenegro González, Catalina
[ES] La presente comunicación, plantea las posibilidades de la creación de cartografías de autoría colectiva como espacios reflexivos. Las cartografías visuales representan un recurso versátil y contextualizado al trabajo reflexivo que se puede hacer con diversos grupos humanos, en este punto se puede comprender que el trabajo cartográfico además de representar la construcción de una obra artístico visual puede ser una reflexión colectiva que involucra el territorio, las experiencias personales y los contextos diversos. De esta forma la experiencia de cartografía visual reflexiva es también una cartografía social y participativa (Barragán, 2016). En este caso se presentarán dos experiencias en contextos de aprendizaje formal tanto escolar como universitario: el primero sobre reconocimiento de autoridad femenina en los procesos de aprendizaje en una escuela pública para mujeres y el segundo sobre la configuración de identidad docente en el caso de estudiantes de pedagogía LGBTI+, ambos en Santiago de Chile. De esta manera las cartografías se transformaron en un re-conocimiento e intervención del territorio desde su apropiación llevando a cabo bordados colectivos en tela como botones e hilos donde iban marcando hitos relativos a los temas propuestos al principio de la actividad. En el caso de la escuela fueron trazando lugares de aprendizaje entre mujeres, simbolizando a estas con botones, las que interactuaban según sus lugares de residencia en el mapa de la ciudad, lo que evidencia la ocupación de los barrios y los lugares donde existe interacción en femenino. Mientras que por otro lado en la experiencia con el estudiantado LGBTI+, las interacciones en el territorio estuvieron dadas por sus propias trayectorias de vida desde los conflictos con el yo, reconocerse parte de la diversidad sexual y sobre todo los lugares que representan el miedo.
Las “chicas Águila”. El uso sexista de la mujer en la publicidad colombiana
(Editorial Universitat Politècnica de València, 2019-09-10) Toloza Hernández, José Germán
[ES] La figura femenina erotizada y expuesta, día a día, en la publicidad parece rememorar la regla o característica del escándalo visual, en cuya psicología del consumo no pueden faltar mujeres que llamen al deseo sexual a partir de la función de implicación de la imagen con el observador, que antecede a cualquier cualidad del producto enunciado. En este sentido, el objetivo de este artículo es analizar – a partir de la campaña publicitaria Las chicas Águila, que se basa en la imagen de mujeres jóvenes en bikini y ajustadas camisetas de fútbol, hipersexualizadas y en actitudes de festejo y celebración– cómo han sido utilizados los estereotipos sexistas sobre la mujer para vender cerveza en Colombia. En dicha campaña se observa que las mujeres son presentadas como imágenes-objetos o fetiches de belleza para ser contempladas y deseadas, hecho que es aceptado en el cotidiano y ha sido normalizado, aunque sea un mecanismo de violencia simbólica y de cosificación de la mujer. El método utilizado es el análisis de las imágenes de la campaña publicitaria a partir de algunos elementos de semiótica en la publicidad, la referencia a especialistas en el tema de los estereotipos femeninos y el análisis en el contexto sociocultural de Colombia.
Christina en el supermercado. Vigilancia y espectáculo
(Editorial Universitat Politècnica de València, 2019-09-10) León Mendoza, Raúl; Departamento de Escultura; Facultad de Bellas Artes; Grupo de Laboratorio de Luz
[ES] A diario vemos que las imágenes de videovigilancia se escapan del ámbito que la ley les tiene reservadas (judicial, policial), para filtrarse hacia los medios de comunicación de masas, apareciendo en telediarios y magazines matinales, como una especie de certificado de un suceso. Diversos tiros de cámara de varias fuentes de video-vigilancia construyen una historia real y al tiempo espectacular. Pero, ¿Es legal este uso de estas imágenes? ¿Es legal que las imágenes grabadas por dispositivos de videovigilancia acaben en los programas matinales o en los telediarios? La imagen producida por dispositivos de vigilancia es considerada como un dato personal. En tanto que dato, las imágenes de esta naturaleza se rigen por la legislación en materia de protección de datos personales. La Agencia Española de Protección de Datos es la encargada de velar por el cumplimiento de las leyes en materia de protección de datos. El pasado 25 de abril de 2018 Eduardo Inda, a través de su página web OK Diario, hizo públicas unas imágenes de lo que parece ser una señora con traje azul junto un con guardia jurado en la trastienda de un establecimiento comercial. Estas imágenes le costaron el puesto de Presidenta de la Comunidad de Madrid: Cristina Cifuentes. El mismo día 25 formulé una denuncia ante la Agencia Española de Protección de Datos contra Dos mil Palabras S.L. por haber sacado a la luz estas imágenes. El presente artículo es un estudio de caso que se forma a través del análisis crítico de las resoluciones de la Agencia Española de Protección de Datos sobre la denuncia y de cómo estos actos administrativos certifican el estado del Régimen Escópico contemporáneo a través del establecimiento del eje visible-invisible.

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